WALLA BIR ZINE

...Je n'use jamais d'un esprit anxiogène pour calfeutrer mes émotions.

Mon autoradio n'en a pas voulu, je lui ai trouvé un manque évident de tact pour la trouille qu'il avait de se voir imploser devant autant d'hardiesse. Pourtant il a l'habitude d'être molester, surtout de bon matin. Mais bon, je n'ai pas perdu courage, j'ai essayé sur un autre support.

Je suis bien sûr parvenu à mes fins, et j'avoue que ce groupe aussi indépendant et sauvageon qu'il soit dans son sludge versus grind VS hardcore, a fini par me séduire. J'aime ce genre de perspective et d'aplomb chez un groupe. Parce qu'il arrive avec un truc bien distinct et se contrefout de séduire pour plaire, ni de provoquer pour séduire. Le combo fait son trip et ne minaude sur rien en allant jusqu'au bout.

A la fois crade et classe, A Snake Of June parvient là ou d'autres ne possèdent même pas le calibre d'ouvrir les braguettes de leur falzar, alors que ce groupe décharge tout dans la gueule à chaque fois.

Ce quatuor possède un batteur, deux bassistes et un chanteur, une formation de poids lourd en somme. Après la double pédale à la batterie, voici la double basse, finissant d'arrondir les angles de votre globe auditif jusqu'au trouble de votre cerveau, avec ce magma sonique dont la densité est à la mesure de la chape de plomb que le groupe flanque.

Sortie en début du printemps 2011, ce duo n'a pas attendu la fin du gel pour faire éclore sa noïse et son rock stakhanoviste. J'ai profité d'un hiver doux pour chauffer mes baffles avec ce disque, et ça marche à donf !

Pour vous situer le contexte musical, Mastervoice suit la trajectoire de Pneu, Gâtechien, avec un épanchement de mélodie mid-tempo aussi nerveux, qu'irascible.

Si le concept de drum & bass est arrivé au bout de son espace vital, le cas de Mastervoice est différent, car lui, il concocte un album remplit d'épines avec un rock aciculaire.

Le combo réussit à rendre moribond le côté linéaire de la basse/batterie pour favoriser une alternance de titres punchy et plus mouvants que d'habitude.

Après les couples mythiques du rock'n'roll, Jon & Christina Spencer, Lux Interior & Poison Ivy, voici Samy & Erin Nasty.

L'histoire de ces deux là est séduisante, au point même qu'elle pourrait se narrer si un talentueux scénariste/réalisateur avait l'aplomb d'en confectionner un film dansant, dont tout Bollywood très certainement vénèrerait la bobine. Quoiqu'il en soit, en ayant préalablement écouté cet album, je vais en émettre une chronique romanesque. Si,si.

Erin, la séduisante immigrée américaine est originaire de Pascagoula dans l'état du Mississippi , un endroit particulier car il s'est passé des choses bien étranges là-bas.

En tout cas, je ne sais pas si elle s'est lassée de la créature de Roswell ou d'E.T en premier, mais elle a choisi la région de Morteau pour vivre avec son époux, qui ne jure, lui, que par la terre de la bannière étoilée, tant il y puise une grande partie de sa culture.

Il n'y a pas eu de choc des cultures, mais plutôt climatique, car Morteau est à Pascagoula ce que la congère suisse est au dattier marocain. C'est à dire une énOrme différence. Mais fi de tout cela ici, puisque l'on en a cure.

Il était donc logique que ces deux là, traversent l'océan atlantique pour vivre l'espace de 6 mois dans la patrie de l'oncle Sam, en tout bien tout honneur.

Si monsieur est musicien, il aurait très bien pu devenir routier, tant la conduite lui prodigue un plaisir que j'ai peine à comprendre la satisfaction. En terme de comparaison, pour moi, 2 heures de volant équivaut à 20 heures d'écoute en boucle d'un album quelconque de Michel Fugain. C'est assez consternant comme réflexion, et je ne le vous fait pas dire.

La traversée de tout le pays en voiture ne demeurait pas un exercice difficile pour eux, et même plutôt comme une lune de miel pour laquelle ils avaient préparé une partie de l'enregistrement et le mixage de cet album en sus.

Alors les voilà en Amérique. OUI, l' Amérique, « l'Amérique je veux l'avoir et je l'aurais », celle là même que chantait le célèbre humoriste Joe Dassin dans les 70's. C'est ce qui arrive, à Nasty Samy de manière conséquente (6 mois tout de même cette fois-ci) qui, et on se l'imagine très bien, s'est fantasmé ce voyage depuis l'orée de sa descente de testicules.

La question que je me suis posé c'était, et je m'en souviens fort bien : N'auront ils pas une vision trop dénaturée, presque « touristique » de ce qu'ils vont percevoir au final ?

La question mérite que l'on s'y penche tant elle n'est point dépourvu d'un réel sens de la perversion. Héhé

Devenu avec le temps presque une apatride dans son propre pays, du fait de l'éloignement, Erin découvre presque sa nation d'origine dans ce voyage.

Par rapport à ma question postérieure (et oui nous y venons), elle y répond de la meilleure des façons puisque l'on s'aperçoit qu'elle possède suffisamment de recul et de maturité pour ne pas tomber dans les travers de stéréotypes malveillants. C'est de par cet élément sensible que repose les lyrics de Madame, et qu'ils comblent l'espace de sa mélancolie teintée de power rock sublime, amenant l'ensemble dans cette vision panoramique de l'Amérique chère au teenage spirit que l'on resent à travers ses yeux et dans son cœur. On y sent la vision d'une jeune femme libre et épanouie, avec un spleen tout contemporain remplie de fêlures.

Il est admirable de constater aussi qu'elle honore celui qu'elle avait chérie lors du précédent album, ce père tutélaire décédé depuis, le cinéaste John Hugues avec la chanson intitulée sobrement « John Hugues Blues ».

Sa voix a pris une assurance évidente, avec toujours cette texture vocale fort séduisante et maintenant si irrésistible, surtout augmentée par ce petit plus de nuances qui jusqu'à lors n'étaient que trop peu discernables.

Sans pour autant tomber dans le badinage, sachez qu'un couple se vit à deux. Pour « Continental Divide » si chacun s'affaire à faire son job, il saute aux yeux que tous deux ont su accomplir la jonction afin d'obtenir l'équilibre d'une parité conforme. Je ne sais pas si au niveau des tâches ménagères il en va de même, mais ce respect commun est révélateur.

L'album contient 14 titres dont 3 covers, à cet effet le titre  des Descendents «We » est particulièrement superbe.

Toujours dans cette brèche teenage, le couple laisse au coin de son road trip, l'essence de son vécu tout au long d'un album où transparaît l'épanouissement. La famille Nasty s'est totalement décomplexée musicalement et a poussé la surexcitation jusqu'à produire un album digne du wall of sound de Phil Spector.

En s'aiguillant les cages à miel dans cet album délicieux de rock américain, on en vient au fil des écoutes à chercher les petits cailloux que Monsieur a caché comme un petit poucet malicieux, car on connait sa griffe dans ce genre d'exercice. Mais comme ce serait raconter la fin d'un thriller et gâcher le plaisir de la découverte, je ne dirais rien, absolument que dalle, et même sous la torture.

Alors que si l'on reconnaît de suite la patte mélodique des riffs de Nasty Samy, on constate qu'il a su davantage ouvrir les écluses pour incorporer des éléments musicaux bien distincts : Crossover. Certes il pratiquait la chose depuis toujours, mais pas avec autant d'envergure. De ce fait, dans chaque titre il insère des petits éléments qui font mouche à chaque coup. Ce coup-ci il nous la joue Weezer style ! Et le kif est total et séduisant avec ce cocktail explosif, qui te fait autant mouiller le slip que crépiter les neurones, tout en te faisant taper le cœur dans une farandole d'émotions.

Il est agréable de constater que les titres prennent un sérieux coup de relief, en adéquation avec le panorama de ce road trip américouain, vécu et enregistré presque instantanément. D'ailleurs, je me demande si aujourd'hui, que ce road trip est bien digéré, qu'elle serait leur point de vue sur eux et l'Amérique ? Question à laquelle je ne manquerai pas de leur poser dès leur tournée prochaine, assurément.

C'est sans contexte l'album le plus réussit du couple, et nous ne pouvons qu'espérer qu'il retourne en voyage sillonner leurs état d'âme-érique pour nous sublimer de ce power rock si intense.

Je ne voudrais absolument pas minimiser la valeur de cet album que je trouve vraiment excellent et superbe, surtout à travers mes couillonades pour cette chronique qui vous change de l'ordinaire cependant.

Vous pouvez donc acheter cet album les yeux fermées.

Il y aura même le carnet de route de Monsieur qui va suivre...

Je vous fait la bande annonce ricaine vite-fait à la Kermitt :

ANNNNNNNNNNNNNNNND NOW, LADYES & GENTLEMEN, THE GREATEST ALBUM OF THE NEW YEAR 2012,

CONTINENTALLL DIVIDEEEEEEEEE.

AWESOME, INCREDIBLE, FANTASTIC, SUPER POWER ROCK OF TEENAGE RENEGADE

OUT NOooooooooooooooooW !!! AHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAH !!!!

On trouve un esprit hétéroclite dans cet album de rock/métal gothique qui joue la carte de la séduction, avec un malin plaisir à vivifier le chant manichéen :

Brutalité masculine (death métal) et douceur féminine (gothique).

Une cover du « Frozen » de la Madonna permet d'élargir le pan pop de ce groupe décidément éclectique. Je met tout de même un bémol au bassiste virtuose dont les slapping répétés ne servent qu'à promouvoir sa dextérité.

La chanteuse a une place prépondérante dans la construction émotive des morceaux, ce qui augmente généreusement la part d'affection que j'ai pu constater avec un album qui de bout en bout m'a procuré un plaisir certain.

Je conseille « Pleasures & Fear » pour les personnes avides de cet esprit charmeur avec le concubinage musical de la foudre tellurique et de l'apesanteur céleste.

Originaire du sud, je suis allergique au climat polaire. Ben ouaie c'est comme ça...

Pourtant ce groupe m'a réconcilié avec la froideur grâce à sa musique pourtant si chaude au demeurant. Et c'est justement cette part d'antagonisme qui m'a séduit. Car Astral Winter produit une musique ésotérique au accent boréal, capable de suggérer par un son cristallin la rigidité du froid et son caractère fantastique, sous la forme il est vrai assez pittoresque du black metOl bouillant dans les forges.

Jamais atone pour exprimer des atmosphères et des émotions, jamais trop bavard pour se rendre loquace en démonstration, chaque musicien tourne la partition en sa faveur en accomplissant un véritable travail d'orfèvre.

Il s'avère toutefois évident qu'un tel album se doit d'obtenir une écoute attentive et précieuse pour en savourer le nectar au maximum.

Berlin a le goût du vice et une déplorable odeur de saucisse fumet. Alors pourquoi devrais-je faire confiance à ce trio de berlinois qui signe son premier ep, sous le sobriquet d'une émission littéraire surannée de l'instit Pivot, juste pour pénétrer le marché intérieur brut de la zique hexagonale, avec la prétention de détrousser de délicieuses franzouzes in fine après concert ? Non mais je vous pose la question ?

Surtout que je ne m'attendais pas du tout à ce que le groupe produise un mélange bariolé de HxC punk rock sous perfusion.

Huit titres qui dégueulent un son brut et rugueux au possible, ça part dans tous les sens, c'est foutraque, jamais aux aguets, pas du tout lunaire, pas de poésie, juste un morceau de béton que tu prends pleine face. Apparemment du mur de l'est, il reste encore des bouts, et Apostrophe joue avec sans concession. Je pense que la première erreur en les écoutant est d'essayer de faire un parallèle avec un groupe, ou un style, parce qu'il n'y en a pas.

Je n'ai jamais eu d'ordinateur dans ma jeunesse. Je ne suis donc pas ce que l'on appelle un geek, avec son cerveau branché sur un mode de vie virtuel, ultra codifié par une culture de jeu vidéo. Ce film aurait dû m’apparaître fun mais anecdotique pour le peu de connaissance en la matière.

Pourtant le réalisateur de "Shaun of the death" et de "Hot Fuz" a décidé de créer un film indé culte en blockbuster générationnel.

Alors si Scott Pilgrim abuse de l'esthétisme des jeux d'arcades, dont il semble cibler une catégorie de personnes, il brille de maestria à jumeler à des scènes de combats spectaculaires, qui mélangent jeux vidéo manga avec des effets spéciaux qui sont un hommage à la pop-culture et aux geek. Même si au bout du compte, le concept visuel atteint ses limites à force de réitérations. Ce qui risque de brusquer bon nombre de personnes au point de se détacher de cette bobine par lassitude.

Je retiens plus pour ma part la facette foutraque de cette comédie inventive, d'où surnage une passion pour l'esthétisme de la bande dessiné. Car ce film est une libre adaptation de la BD Scott Pilgrim. En cela Edgar Wright, le réalisateur, a trouvé la ponctuation adéquate pour transposer audacieusement les effets graphiques de la BD 
à l'écran, avec une réalisation téméraire, comme avec les nombreuses apparitions des onomatopées. On se prend idéalement de passion pour le loser drôle et attachant Scott Pilgrim, dont le film glisse d'une manière funny vers une chronique générationnelle de romance marios bros & mortal combat VS comic strip & rock indé.

Le casting est très réussit, et même les seconds rôles ont leur mot à dire comme dans un Tarantino.

Bien entendu Michael Cera est excellent, même si on le voit toujours cantonné dans le même registre. Quand à Mary Easton elle irradie le film, mais j'ai un faible pour cette actrice magnifique.

C'est en cela que ma scène préférée reste leur rencontre, du moins la paralysie amoureuse que Scott ressent dès qu'il voit Ramona. Ce coup de foudre instantanée qui se remue en vous toute une journée entière à planer au dessus d'un océan de béatitude.

L'humour jouissif est omniprésent avec des répliques déjà cultes. Par contre la bande originale pop-rock est un degré en dessous malheureusement, pourtant onctueusement amplifié par des effets graphiques somptueux.

Ce film est au final original du début à la fin et peut s'enorgueillir comme un ovni astucieux avec tous les bons ingrédients du teen movie, de la geek et de la pop culture.

Synopsis : Scott Pilgrim n’a jamais eu de problème à trouver une petite amie, mais s’en débarrasser s’avère plus compliqué. Entre celle qui lui a brisé le cœur – et qui est de retour en ville – et l’adolescente qui lui sert de distraction au moment où Ramona entre dans sa vie - en rollers - l’amour n’a jamais été chose facile. Il va cependant vite réaliser que le nouvel objet de son affection traîne les plus singulières casseroles jamais rencontrées : une infâme ligue d’ex qui contrôlent sa vie amoureuse et sont prêts à tout pour éliminer son nouveau prétendant. À mesure que Scott se rapproche de Ramona, il est confronté à une palette grandissante d’individus patibulaires qui peuplent le passé de sa dulcinée : du mesquin skateur à la rock star végétarienne en passant par une affreuse paire de jumeaux. Et s’il espère séduire l’amour de sa vie, il doit triompher de chacun d’eux avant que la partie soit bel et bien « over ».

Cette agréable vieillerie a été rendu visible par le sempiternel mag de cinéma bis Mad Movies et me fût prêter généreusement par mon boulanger. Hé oui !

Ce film n’est certes pas un chef d’œuvre mais il se regarde,  justement pour la curiosité qui pour l’époque bénéficia en France d’un refus d’exploitation. Est ce que le film est effrayant ? Il se pourrait bien que oui, surtout pour les personnes qui ont le trouillomètre dans les testicules où les ovaires, (c’est selon), et ce, dès l’apparition de phénomènes troublants dont on ne sait au début du film si ils sont dû à quelques esprit joueurs où si c’est le fruit imaginatif des protagonistes.

Le film est sorti en 1974, il bénéficie d’une couleur assez particulière dont le traitement d’époque est aussi à mettre au niveau du look seventies et de l’esprit des personnages. Les acteurs sont au petit oignon, entre un méchant subtilement schizo et des victimes minorées comme il se doit.

Le scénario est original pour l’époque, il est très proche des œuvres de Stephen King, et de sa façon de propager la terreur en ciblant très nettement les traits de folie. Le film s’avère un peu longuet, mou du gland en somme, surtout comparé à ce qu’il se réalise de nos jours. Par contre, au niveau du suspens même si parfois le jeu des actrices/acteurs s’avèrent too much, il tient tout de même la route, car bien entendu la schizophrénie du méchant déteint sur sa dernière victime, et la dernière image du film est carrément  diabolique.

Cette Bobine par contre est très intéressante car il s’agit d’un des premiers véritable slasher, dont il n’est pas rare d’avoir déjà perçu certaine séquence, ou plan dans d’autres films jugés par l’ensemble des amateurs comme étant culte. Le film reste dans le domaine du subjectif, et le non dît du psychopathe sera la résolution de l’énigme entraînant la victime dans le même désordre psychologique.

Un slacher dont les séquelles sont plus du domaine de la psychiatrie que baignant dans le gore, c'est la version Madame Tuceau d'un slacher qui cire les pompes du soap des 70's. On pense au personnage de « Psychose », indéniablement, et même à cette folie du redneck vivant seul, intériorisant son passé en l’idéalisant au point d’en perdre la raison. Le film joue sur les angoisses, appréhensions en usant de cette tension pour basculer dans l’horreur.